PAPO DE COXIA - Stella Adler

Stella Adler ( 1901 — 1992) foi uma atriz de teatro e cinema dos Estados Unidos e importante professora de interpretação para atores. Fundou o Conservatório Stella Adler na cidade de Nova Iorque em 1949.

Tornou-se importante por ser uma das professoras do reconhecido Método de Interpretação para atores, ou apenas Método, por mais de quarenta anos, técnica inspirada nos ensinamentos de Constantin Stanislavski.

Em 1934 viajou a Paris para estudar pessoalmente com Stanislavsky, para trazer de volta, aos Estados Unidos, os pontos de vista do professor e ator russo que, segundo ela, estavam sendo distorcidos e vendidos como artigo de consumo pelo Actors Studio de Elia Kazan e Lee Strasberg.

Obs: Adler estudou com ele, até sua morte em 1938, Stanislávski continuou no desenvolvimento de seu sistema, acrescentando novas idéias e reforçando as já desenvolvidas.

Vários outros sistemas existem sobre a arte de representar. Todos os modernos sistemas, entretanto, guardam influência na "atuação realística" e no Método da Ação Física do Sistema Stanislavski.

Existe a Técnica de Meisner – veremos posteriormente.

Técnica da Representação Teatral (Stella Adler)

O Ator e a Profissão:

“Queria que o palco fosse uma corda esticada onde nenhum incompetente ousasse caminhar.” (Goethe) Goethe está falando, é claro, a partir do ponto de vista de um autor. Este é o enorme e frustrante desafio do ator ao representar peças escritas por Goethe e outros grandes dramaturgos. (...) O ator moderno deve ter virtudes que o dramaturgo, talvez, não tenha, e uma delas é o instinto que o estimula a atuar. Este instinto é mais forte do que nós sabemos ou podemos analisar. O ser total de um ator – mente, espírito, alma e aquela incontrolável essência que é o talento – deve estar dedicado à sua arte. Nesta vida, muitas pessoas são obrigadas a usar apenas uma faceta de si mesmas. Todos os outros eus criam uma inquietação incomparável na alma do ator, e é isto o que lhe motiva o talento ser revelado. Há mais de um século tem havido muitos estilos em literatura: realismo, expressionismo, simbolismo e assim por diante. Um autor tem muitos anos para explorar tais estilos, passados e presentes. O jovem ator deve fazer todas essas mudanças de estilo virem à tona no presente. Para superar os obstáculos, o jovem ator de hoje pode contar com uma escola de atuação, e este talvez seja o primeiro passo que o conduza à profissão teatral. Frequentemente, o ator inicia sua carreira sem modelo algum. Em outros períodos do teatro, o principiante era influenciado por atores de grande talento. Ele entrava no palco trazendo um germe e, desse modo, lentamente aprendia seu ofício através de peritos, como Salvini e Kean. Em tempos mais recentes, as escolas de interpretação eram muitas vezes vinculadas a teatros, e o ator acabava por tornar-se parte desse teatro. Primeiro tornavam-se atores – e depois diretores e também professores. O Teatro de Arte de Moscou é um exemplo disso. O ator de hoje precisa ser ajudado. Aqui, a influência do professor é muito específica. Ele orienta o ator quando este começa a trabalhar com ideias. O esclarecimento do texto, o entendimento do personagem, do estilo, da linguagem, do ritmo da peça – estimula o ator a experimentar a vida e o estilo do dramaturgo. Atingir esse despertar incentiva o ator a perceber que sua alma, seu espírito e seu intelecto têm importância. Ser apenas um rapaz ou uma moça comum não basta. Não é suficiente para o ator ser o que somos hoje, e, mais importante, isso não interessa à plateia. A imaginação do ator agora absorve a vida do personagem. Ele adquire a capacidade de lidar especificamente com a peça e também com a moral, a ética, a educação, a vida familiar, a vida sexual, a crença religiosa e a profissão do personagem. Essa aproximação dá maior domínio ao ator e lhe permite segurança interior, a união de seu espírito com sua profundidade interna é o caminho para essa independência da profissão. Seu conhecimento dos seres humanos, herdado ou instintivo, sempre virá em seu auxílio. O impulso de representar. Não será extravagante considerar que o ator, porque ele é o intérprete, seja o elemento mais importante no teatro. E dessa forma talvez não seja surpreendente que uma extensa variedade de pessoas das mais diferentes condições, cujas qualificações educacionais e conhecimentos tendem a variar amplamente, escolha a arte de representar como uma profissão. Ao mesmo tempo em que esse desejo incontrolável de representar os convencem de que podem atuar e que irão se tornar atores, é provável que tenham problemas ou bloqueios que tornem difícil, senão impossível, alcançar suas metas. Timidez, insegurança e tensão são problemas comuns, assim como falta de disciplina, desconhecimento de tradição e método e nenhuma consciência de controle corporal. Como almas perdidas, podem sentir-se soltos no espaço, sem rumo definido, mas apesar disso a ambição os lança ao palco. Assim, vamos começar do início. Tentarei tornar tudo tão claro quanto possível. Deixem-me começar dizendo que o sistema de Constantin Stanislavski é uma técnica de atuação e técnicas que sempre existiram. Porém a dele é a mais moderna, embora tenha sido descoberta e formulada há quase cem anos. Atuar é um trabalho obstinado, necessitando de atenção constante e de planejamento rigoroso. Não é algo para gênios. É para pessoas que trabalham passo a passo. Embora não haja propriamente uma receita para atuar, deve-se seguir uma sequência de princípios. Com muito esforço, o ator pode progredir e transformar-se gradualmente, partindo da insensibilidade e do vazio para a maturidade estética dentro de um período de tempo relativamente curto. O mais importante é que, com treinamento apropriado, ele pode estender imensuravelmente seus talentos, criando uma nova penetração e alcance das funções cênicas. No palco, espera-se que o ator faça mágica. Ele precisa criar um personagem que cative as plateias noite após noite. O primeiro conceito que um ator precisa dominar é bem simples: atuar significa a eliminação de barreiras humanas. Ele deve derrubar as paredes entre si mesmo e os outros atores. Isso lhe dará uma sensação de liberdade no palco. O ator dá provas de uma generosidade especial ao sugerir à plateia: “Vou dar-lhes ideias.”, “Vou dar-lhes prazer.”, “Vou dançar para vocês.”, “Vou expor-lhes as dores do meu coração.” Tudo isso é uma forma de talento artístico, de dar de si. É um caso de amor com a plateia. Porém, para levar adiante esse caso de amor, deve-se começar a pensar e atuar de novas maneiras. Há uma diferença entre verdade da vida e a verdade do teatro. E é preciso aprender a não confundi-las. Devemos aprender como nos expressar com intensidade quando expressamos ideias épicas do autor. As metas do ator, o medo de crítica, a loucura pelo dinheiro, o pavor do palco, a timidez extraordinária, o sonho de estrelato e os personagens clichês são imposições feitas pelo público. Para ser um artista, o ator deve superar esses obstáculos. Uma das primeiras tarefas do ator é se libertar das opiniões externas. Somente quando se respeita alguém mais do que qualquer pessoa no mundo é que se pode aceitar e incorporar suas opiniões ou críticas. Do contrário, ignorem-se as noções de terceiros sobre o que é certo para nós. Ninguém pode nos dizer se somos jovens ou velhos, bonitos ou bem-sucedidos. Esses são conceitos que devemos criar para nós mesmos. Muitas opiniões sobre teatro e arte são meras formas de falar da vida alheia. 

Objetivo: 

Quais são suas metas e plano de carreira? ― O que vem primeiro, crescimento (desenvolvimento) ou sucesso (dinheiro, fama, plateias)? É bom para o jovem ator verbalizar suas necessidades e temores, e fazer uma distinção entre a ideia que as pessoas têm de sucesso (estrelato público) e a lenta maturidade de um grande intérprete que pode fazer escolhas mais desenvolvidas. Além disso, o jovem ator precisa ter uma forte consciência de si mesmo e deve ser capaz de rapidamente listar seus aspectos positivos e deficiências. O jovem ator tem que lembrar que seu alcance emocional deve ser estendido ao máximo. Não se pode ocultar alguma coisa e ser um ator. Tudo isso começa com o autoconhecimento. O ator tem somente seu próprio corpo como instrumento. Assim, tome nota do que precisa ser estabelecido. Como ator, ele deve trabalhar continuamente com: seu corpo, sua fala e sua mente. Dando início à técnica. O objetivo máximo desta técnica é criar um ator que possa ser responsável por seu desenvolvimento e realização artísticos. 

Energia:

Encontre a energia de que você necessita para seu trabalho. Comece com uma energia vocal forte; depois você pode modificá-la. O volume cai, mas a energia fica de pé. O ato de ler ou falar vem das palavras na página. O entendimento dessas palavras pelo ator deve ser claro e profundo. 

Alcançando a plateia: 

Num palco, embora você possa estar falando intimamente com um parceiro, a plateia deve ouvi-lo também. Dessa maneira, você não pode usar o tom reservado que utilizaria na vida diária. Você deve atingir seu parceiro, você deve alcançar a plateia. Nunca se comunique de uma forma sem vida. Sua réplica deve ser articulada e pessoal. Os jovens atores de hoje se expressam mal. Você deve ter a facilidade de exprimir a linguagem. Comece por ter a consciência de que todos devem ouvi-lo. Você deve alcançar fisicamente a outra pessoa. Uma vez que você se ouça projetando e sinta a profunda ressonância vindo dentro de sua voz, terá encontrado o tom normal para adotar no palco. 

Tensão:

A tensão é uma das inimigas absolutas da atuação. Você não se mostra tenso quando está no palco. A tensão é em grande parte resultado de recorrer às palavras do texto e depender delas, esquecendo-se de que o lugar e a ação, mais que as palavras, constituem o fulcro (ponto de apoio; sustentáculo, base) da peça. Você deve ser verdadeiro no que faz ou diz. Sinta a verdade dentro de si. A coisa mais importante para um ator é perceber sua própria verdade. 

Controles físicos: 

Como um ator é chamado a interpretar muitos tipos diferentes de pessoas, você deve aprender a controlar seu corpo de modo a que possa executar movimentos a que não esteja habituado e desenvolver maneiras diferentes de andar que combinem com o personagem que está interpretando. A técnica para fazer isso é estabelecer alguma alteração física em seu corpo – um joelho rígido, por exemplo, ou uma corcunda – e localizá-la, bem como os músculos que a sustentam e controlam. 

Domínio da fala:

Comparável aos controles para o corpo é o domínio da fala. Para causar a impressão de cicio (som brando, continuado), ponha a língua atrás dos dentes e fale a seguinte sentença: “Era uma moça muito sedutora e chamou a atenção dos passantes ao parar e olhar a vitrine da loja.” Você deve ser capaz de localizar de onde vem o cicio. Aprender a ciciar é o ponto de partida para aprender a dominar sotaques. 

Memória muscular:

No momento em que puder usar as mãos e lidar com adereços imaginários, você estará no comando de outro princípio no seu trabalho: o princípio da verdade no palco. Você terá aprendido a verdade sensorial da memória muscular. Cada adereço tem sua própria presença e verdade. A verdade que você cria no palco ao enfiar uma linha na agulha e costurar, ou limpar seus óculos e colocá-los, não é gerada para que a plateia acredite em você, mas a fim de que você acredite em si próprio. A atuação teatral ocorre quando você mesmo está convencido da verdade do que está fazendo. Esta é uma das essências do realismo, e ela é a aperfeiçoada fazendo-as coisas muito costumeiras. 

Imaginação: 

Noventa e nove por cento do que você vê e usa no palco vêm da imaginação. Em cena, você nunca usará seu próprio nome e personalidade, nem estará em sua própria casa. Cada pessoa com quem fala terá sido criada pela imaginação do dramaturgo. Cada circunstância em que se encontre será imaginária. E, desse modo, cada palavra, cada ação, deve ter origem na imaginação do ator. Se um fato não conseguir passar por sua imaginação de ator, ele parecerá falso. Nas aulas de oficina, portanto, os exercícios mais importantes são aqueles que devem ser feitos com o uso da imaginação. A imaginação pode despertar o ator para as reações imediatas. Ele poderá ver rapidamente, pensar rapidamente e imaginar rapidamente. Em exercícios para estimular a imaginação, procuro pelas reações instantâneas dos atores e quaisquer objetos com que estiverem trabalhando. Para a imaginação vir depressa, tudo que o ator precisa fazer é deixá-la acontecer.

Vendo e descrevendo:

Você deve gravar vividamente e com precisão as imagens, antes de poder descrevê-las. Só então poderá transmiti-las e fazer seu parceiro ou a plateia sentir o que você viu. Mantenha os olhos abertos e assimile tudo visualmente. Ao descrever alguma coisa, você deve vê-la de fato. A diferença entre relatar e assimilar uma imagem e saber transmiti-la é o que faz de você um artista. Todos os dias você se alimenta das coisas reais que estão em torno de você. Por outro lado, numa peça teatral você se apoia numa situação imaginária, e sua responsabilidade é tornar real tudo que se ligue a ela. Os atores devem exercitar seu poder de observação. Você deve estar continuamente atento às mudanças em curso no seu mundo social. A função do ator é desinventar a ficção. Se você precisa de um limoeiro, mas nunca viu um, terá que imaginar alguma espécie de limoeiro. Você o aceitará como se o tivesse visto. Você o imaginou, portanto, ele existe. Qualquer coisa que passa pela sua imaginação tem o direito de viver e tem sua própria verdade. 

Circunstâncias:

A verdade do lugar na vida, todo ser humano sabe onde está. É um fato comprovado que todos estão em algum lugar. O lugar é chamado de “as circunstâncias dadas” da vida. Todas as pessoas são grandes atores porque aceitam exatamente o lugar onde estão. Os atores, contudo, têm, muitas vezes, pavor do palco porque, em cena, sentem-se abandonados num lugar que lhes é estranho. De repente, estão nas circunstâncias da peça e isto é o que lhes é tão estranho. São deixados sem a segurança absoluta que um lugar familiar lhes dá. Quando entram em cena, nada veem. É como se fossem cegos. A fim de evitar isso, os atores devem imediatamente deixar claras para si mesmos as circunstâncias da peça que está se realizando no palco. Primeiramente o ator deve começar a reconhecer os objetos, a mobília e as características do cenário. Antes de partir para o texto, é imperativo que ele se locomova fisicamente nas novas circunstâncias e use-as. As palavras não fazem a peça. Você deve entender que a primeira regra é aceitar as circunstâncias que o dramaturgo lhe dá como a verdade. A absorção completa do ator nas circunstâncias tem um outro enorme benefício. Se você prestar atenção às circunstâncias, não tomará conhecimento da plateia e não se preocupará com as pessoas que lhe assistem. Se você as ignora completamente e apenas prestar atenção no que está fazendo, elas o amarão. 

Ações - Emoção – Mente - Coração e Alma do ator estão envolvidos em sua profissão:

Algumas vezes a mente assume o comando. Outras vezes a alma está mais envolvida. Isto traz à questão da emoção. O ator tem numerosos recursos dentro de si mesmo para obter a emoção de que a peça ou o personagem necessita. Toda a emoção exigida dele pode ser encontrada através da sua imaginação dentro das circunstâncias. O ator deve entender que não pode existir verdadeiramente, exceto dentro das circunstâncias da peça. Se na peça o ator necessita de uma ação à qual não responde, pode voltar á sua própria vida, não em busca de emoção, mas de uma acão similar. Em sua própria experiência pessoal você teve uma ação semelhante á qual correspondeu uma reação emocional. Volte à ação e ás circunstâncias específicas em que esteve e lembre-se do que fez. Se você recordar o lugar, os sentimentos voltarão. 

Justificação:

Antes vem a ação, depois uma razão para executá-la: essa razão chama-se justificação. Encontrar razões para tudo o que você faz no palco mantém suas ações verdadeiras. A justificação, a parte criativa de seu trabalho, é o que o alimenta no teatro. A justificação não está nas falas; está em você. O que você escolhe como sua justificação deve estimulá-lo. Como resultado desse estímulo você experimentará a ação e a emoção. Se você escolher uma justificação e não sentir nada, terá que selecionar alguma outra coisa que o desperte. Seu talento consiste em quão bem é capaz de optar por sua justificação. Na sua escolha reside seu talento. 

Trabalhando no palco – Adereços:

Um ator deve usar sua imaginação, quando trabalha com adereços. Muitas vezes terá que representar com um mínimo de acessórios. É uma contrariedade para o ator não ter um adereço com o qual trabalhar, mas às vezes isso pode se transformar numa vantagem. É preciso saber como é a vida de um adereço, antes de usá-lo. 

Personagem: 

O primeiro e mais importante método de abordagem para o ator é ler a peça e descobrir o que o dramaturgo quer dizer ao mundo. O ator deve descobrir as ideias importantes que o autor revela através de seus personagens. O dramaturgo quer divulgar e expressar sua opinião sobre a sociedade. Embora uma peça possa ocorrer em local particular, está disposta a alcançar o mundo através de suas ideias. Atuar se baseia, em grande parte, nas diferenças entre os personagens. Um desenhista italiano, um camponês russo, um diplomata chinês, todos se comportam de maneiras específicas. Eles se dominam diferentemente, andam, falam, pensam, fumam cigarros e riem de forma diferente. Seus conhecimentos, educação, tipo físico, moral e posição social são inteiramente distintos. Os atores não devem apenas criar essas características nacionais e ocupacionais, mas devem também mostrar as diferenças entre os personagens. Atuar é agrupar comportamentos humanos de maneiras originais e interessantes. Mesmo um personagem arquétipo como Hamlet pode ser retratado segundo várias interpretações diferentes. 

A primeira aproximação do ator com o autor – Parafraseando:

O ato de ler ou falar surge das palavras do texto. Durante o ensaio, o entendimento que o ator retira dessas palavras deve ser claro. Parafrasear o texto da peça é uma parte essencial da técnica do ator. Parafrasear é tomar as ideias do autor e colocá-las nas palavras do ator, e desse modo fazer com que elas lhe pertençam. Parafrasear o encoraja a usar sua mente e sua voz e lhe dá algum poder que se iguala ao poder do autor. Simplesmente ouvir o som de sua própria voz pode ser útil. Primeiramente, a plateia deve crer em você para que possa acreditar no autor. Esta é sua primeira experiência e a primeira aproximação do ator com o autor. Quando for parafrasear, tome sempre as ideias que têm mais importância. Seria útil ler ensaios, discursos, artigos de jornal e editoriais, traçando ideias a partir deles. Para isso, você deve a princípio pôr o texto em suas próprias palavras. Então retire a pontuação. Quando você entender o texto, a pontuação cairá naturalmente onde for necessária. 

Trabalhando no texto:

A técnica de ensaio Stanislávski dizia que você pode ensaiar uma peça por seis horas ou seis meses. Um ensaio é muito diferente, em seu resultado, de outro, mas ambos podem ser igualmente válidos. Cedo, em seu treinamento, você precisa entender o processo de ensaio. Se você está fazendo um simples exercício de sala de aula ou ensaiando uma peça inteira, os princípios de ensaio são os mesmos. Não se espera uma entrega completa do ator toda vez que ele se prepara para trabalhar. 

Etapa 1: Ingressando no significado:

Seja para o exercício ou para a peça, existem três estágios de ensaio. A noção do processo de ensaio é que, em primeiro lugar, o ator deve decorar suas falas. Este é um conceito mortal. Na prática isto vem quase por último. A primeira etapa do ensaio é estudar o texto sem memorização, para lentamente ingressar no significado da peça e no que o autor quer dizer sobre o Homem e o mundo. Quando você começa a trabalhar num texto, tem que estar aberto a impressões. 

Etapa 2: Compreendendo o assunto: 

Tão logo você possa compreender o assunto e as palavras do texto, estará na segunda etapa do ensaio. Especialmente neste estágio você deve guardar-se contra a tentação de decorar, visto que a memorização bloqueia o real entendimento. Conforme o texto se torna mais familiar e o despertar para o estilo, ideias e intenção do dramaturgo, as palavras vão-lhe pertencendo gradualmente. Recorra ao uso de um dicionário ou uma enciclopédia se tiver dificuldade em compreender algumas palavras. 

Etapa 3: Compreendendo a peça:

Quando você estiver confiante na interpretação de seu papel e certo de que foi útil ao autor, dando vida a seu texto, então terá dado sua contribuição para a peça. 

A contribuição do ator:

O teatro tem em si o elemento da surpresa. Há uma plateia aguardando no escuro pelo subir do pano. O ator tem então a chance, através do uso de seu talento e de sua técnica, de manter sua plateia fascinada. O objetivo da técnica que ora enfatizamos é afastar o ator daquelas técnicas antiquadas ou que foram usadas com abuso em nome de Stanislávski. O texto do autor é o único ponto concebível do qual o ator pode partir. Ele deve se aproximar do texto sem preconceitos ou opiniões preconcebidas. O estudo do texto deve proceder-se desta forma: 1. O ator deve perder sua dependência das palavras e partir para as ações da peça. 2. Primeiro vêm às ações, depois as palavras. As palavras resultam da ação.